สารบัญ:

วิธีที่ภาพวาดของศิลปินชื่อดังกลายเป็นส่วนหนึ่งของแฟชั่น ก่อร่างรูปแบบใหม่แห่งศตวรรษที่ 20
วิธีที่ภาพวาดของศิลปินชื่อดังกลายเป็นส่วนหนึ่งของแฟชั่น ก่อร่างรูปแบบใหม่แห่งศตวรรษที่ 20

วีดีโอ: วิธีที่ภาพวาดของศิลปินชื่อดังกลายเป็นส่วนหนึ่งของแฟชั่น ก่อร่างรูปแบบใหม่แห่งศตวรรษที่ 20

วีดีโอ: วิธีที่ภาพวาดของศิลปินชื่อดังกลายเป็นส่วนหนึ่งของแฟชั่น ก่อร่างรูปแบบใหม่แห่งศตวรรษที่ 20
วีดีโอ: ชนเผ่าสุดอันตรายที่แม้แต่กองทัพยังต้องเกรงกลัว (โหดจริง) - YouTube 2024, มีนาคม
Anonim
Image
Image

ความเชื่อมโยงระหว่างศิลปะกับแฟชั่นเป็นตัวกำหนดช่วงเวลาเฉพาะในประวัติศาสตร์ สื่อทั้งสองนี้สะท้อนถึงการเปลี่ยนแปลงทางสังคม เศรษฐกิจ และการเมืองตั้งแต่ช่วงอายุ 20 จนถึงยุค 80 ที่มีชีวิตชีวา ต่อไปนี้คือตัวอย่างสี่ตัวอย่างของศิลปินและนักออกแบบแฟชั่นที่ช่วยกำหนดมุมมองใหม่เกี่ยวกับศิลปะและแฟชั่นในศตวรรษที่ 20 ผ่านผลงานของพวกเขา

1. Halston & Warhol: ภราดรภาพแฟชั่น

ภาพเหมือนทั้งสี่ของ Halston, Andy Warhol / รูปภาพ: google.com
ภาพเหมือนทั้งสี่ของ Halston, Andy Warhol / รูปภาพ: google.com

มิตรภาพระหว่าง Roy Halston และ Andy Warhol กำหนดโลกแห่งศิลปะ ทั้งรอยและแอนดี้ต่างก็เป็นผู้นำที่ปูทางให้ศิลปิน/นักออกแบบมีชื่อเสียง พวกเขาขจัดความอัปยศเสแสร้งของโลกศิลปะและนำแฟชั่นและสไตล์มาสู่คนทั่วไป Warhol ใช้การพิมพ์ซิลค์สกรีนหลายครั้งเพื่อสร้างภาพ แม้ว่าเขาจะไม่ได้เป็นผู้คิดค้นกระบวนการนี้อย่างแน่นอน แต่เขาก็ปฏิวัติแนวคิดเรื่องการผลิตจำนวนมาก

รอยใช้ผ้าและลวดลายที่ดูเรียบง่ายแต่สง่างามด้วยการใช้เลื่อม อัลตร้า และผ้าไหมของเขา เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่ทำให้แฟชั่นอเมริกันเข้าถึงได้และเป็นที่ต้องการ ทั้งสองทิ้งร่องรอยสุดท้ายไว้ที่งานศิลปะและสไตล์ตลอดช่วงทศวรรษ 1960, 70 และ 80 ซึ่งยังคงดำเนินต่อไปจนถึงทุกวันนี้

ทั้งรอยและแอนดี้ได้ทำงานร่วมกันในโครงการต่างๆ มากมาย Warhol ได้สร้างแคมเปญโฆษณาที่แสดงเสื้อผ้าของ Halston และแม้แต่ตัวของ Halston เอง ในทางกลับกัน Halston ใช้ลายดอกไม้ Warhol ในคอลเล็กชั่นเสื้อผ้าของเขาตั้งแต่ชุดราตรีไปจนถึงชุดพักผ่อน

ซ้ายไปขวา: ดอกไม้ 1970 / ลิซ่า, 1978. / ดอกไม้, 1970. (ผลงานทั้งหมดโดย Andy Warhol) รูปภาพ: wmonden.ro
ซ้ายไปขวา: ดอกไม้ 1970 / ลิซ่า, 1978. / ดอกไม้, 1970. (ผลงานทั้งหมดโดย Andy Warhol) รูปภาพ: wmonden.ro

รอยใช้รูปแบบเรียบง่ายในเสื้อผ้าของเขาซึ่งทำให้พวกเขาประสบความสำเร็จอย่างมาก พวกเขาสวมใส่สบาย แต่ยังสัมผัสได้ถึงความหรูหราด้วยเนื้อผ้า สีสัน และลายพิมพ์ Warhol ยังทำให้วัสดุและกระบวนการของเขาง่ายขึ้น ทำให้ง่ายต่อการทำซ้ำงานของเขาและทำให้ขายได้มากขึ้น

ความสำเร็จในเชิงพาณิชย์มีความท้าทายในตัวเองสำหรับศิลปินทั้งสอง Halston เป็นพันธมิตรรายแรกกับเครือข่ายค้าปลีก JCPenney ในปี 1982 และสิ่งนี้ส่งผลต่อคุณภาพของแบรนด์ของเขา Warhol ก็พบกับคำวิจารณ์เช่นกัน เนื่องจากงานของเขาถูกมองว่าเป็นเพียงผิวเผิน อย่างไรก็ตาม ทั้งสองได้ปรับปรุงการใช้การค้าปลีกและการตลาดในพื้นที่ของตนเพื่อสร้างแบรนด์สำหรับการขายในตลาดมวลชน

ซ้ายไปขวา: ชุดฮัลสตัน ปี 1972 / แต่งกายด้วยเสื้อคลุม พ.ศ. 2509 / สูท, 1974. / รูปภาพ: google.com
ซ้ายไปขวา: ชุดฮัลสตัน ปี 1972 / แต่งกายด้วยเสื้อคลุม พ.ศ. 2509 / สูท, 1974. / รูปภาพ: google.com

Roy และ Andy เป็นผู้เยี่ยมชม Studio 54 บ่อยครั้ง พวกเขาจัดงานปาร์ตี้ ออกแบบและผลิตผลงานให้กับคนดัง เช่น Liza Minnelli, Bianca Jagger และ Elizabeth Taylor ทั้งหมดนี้สะท้อนให้เห็นในงานของพวกเขาในขณะที่พวกเขาเป็นแรงบันดาลใจและกำหนดยุคดิสโก้ของปี 1970

ซ้ายไปขวา: รองเท้าเพชร, 1980 / รองเท้าเพชรกับชุดผู้หญิง ปี 1972. / รูปภาพ: pinterest.com
ซ้ายไปขวา: รองเท้าเพชร, 1980 / รองเท้าเพชรกับชุดผู้หญิง ปี 1972. / รูปภาพ: pinterest.com

Halston เป็นที่รู้จักในด้านการสร้างชุดราตรีแวววาว รอยวางเลื่อมในแนวนอนบนผ้า สร้างเอฟเฟกต์แวววาวของวัสดุที่เขาใช้เพื่อสร้างชุดหรูหราที่ผู้หญิงที่มีเสน่ห์หลายคนชื่นชอบ

Warhol Diamond Dust Shoe Series ยังแสดงให้เห็นถึงสถานบันเทิงยามค่ำคืนของ Studio 54 และคนดังที่อาศัยอยู่ที่นั่น ฝุ่นเพชรคือสิ่งที่เขาใช้บนลายฉลุหรือภาพวาด สร้างองค์ประกอบพิเศษของความลึกให้กับชิ้นงาน และรองเท้าของเขาเดิมเป็นแนวคิดสำหรับแคมเปญโฆษณาของ Halston ไม่ว่าในกรณีใด ทั้งสองคนมีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อแฟชั่น โดยทิ้งร่องรอยที่ลบไม่ออกไว้เบื้องหลังพวกเขา แท้จริงแล้ว แม้กระทั่งทุกวันนี้ นักออกแบบสมัยใหม่หลายคนได้รับแรงบันดาลใจจากแนวคิดของ Andy และ Roy โดยสร้างคอลเล็กชันที่งดงามพร้อมกับเสียงสะท้อนของอดีต

2. Sonia Delaunay: เมื่อศิลปะกลายเป็นแฟชั่น

Sonia Delaunay กับเพื่อนสองคนในสตูดิโอของ Robert Delaunay, 1924 / รูปภาพ: twitter.com
Sonia Delaunay กับเพื่อนสองคนในสตูดิโอของ Robert Delaunay, 1924 / รูปภาพ: twitter.com

Sonia Delaunay ไม่เพียงแต่ปฏิวัติรูปแบบใหม่ของ Cubism แต่ยังนำเสนอความเชื่อมโยงระหว่างศิลปะกับแฟชั่นทั้ง Delaunay และสามีของเธอเป็นผู้บุกเบิก Orphism และทดลองกับรูปแบบนามธรรมต่างๆ ในงานศิลปะ เธอเป็นคนแรกที่ใช้สไตล์ศิลปะของเธอเองและก้าวเข้าสู่โลกแฟชั่นโดยใช้การออกแบบลายพิมพ์หรือลวดลายสิ่งทอดั้งเดิมของเธอ เธอเป็นที่รู้จักในงานศิลปะและความผูกพันกับสามีมากกว่าเรื่องแฟชั่น สไตล์ของเธอมีบทบาทสำคัญในช่วงทศวรรษ 1920 และแคตตาล็อกเสื้อผ้าของเธอเป็นที่จดจำสำหรับภาพถ่ายและการอ้างอิงถึงงานศิลปะของเธอมากกว่าตัวเสื้อผ้าเอง สำหรับ Sonya มีและไม่มีพรมแดนระหว่างศิลปะกับแฟชั่น สำหรับเธอ พวกเขาเป็นหนึ่งเดียวกัน

ซ้ายไปขวา: ชุดเดรสสามชุด, Sonia Delaunay, 1925 / สามชุดในหนึ่งเดียว 2456 / รูปภาพ: yandex.ua
ซ้ายไปขวา: ชุดเดรสสามชุด, Sonia Delaunay, 1925 / สามชุดในหนึ่งเดียว 2456 / รูปภาพ: yandex.ua

เธอเริ่มต้นธุรกิจแฟชั่นในปี ค.ศ. 1920 โดยสร้างสรรค์เสื้อผ้าให้กับลูกค้าและออกแบบผ้าสำหรับผู้ผลิต Sonya เรียกชื่อของเธอว่า Simultaneous และก้าวไปไกลกว่านั้นด้วยการใช้สีและลวดลายในหัวข้อต่างๆ การทำงานพร้อมกันนั้นมีบทบาทสำคัญในงานของเธอ และเทคนิคที่ไม่ธรรมดาของเธอทำให้นึกถึงการเย็บปะติดปะต่อกันของผ้านวมหรือสิ่งทอจากยุโรปตะวันออก โดยใช้สีซ้อนทับกัน และใช้ลวดลายเพื่อสร้างความกลมกลืนและจังหวะ ธีมทั่วไปของเธอ ได้แก่ สี่เหลี่ยมจัตุรัส / สี่เหลี่ยม สามเหลี่ยม และเส้นทแยงมุมหรือทรงกลม ซึ่งทั้งหมดซ้อนทับกันในการออกแบบต่างๆ ของเธอ

ผลงานของโซเนีย เดเลาเนย์ / รูปภาพ: ok.ru
ผลงานของโซเนีย เดเลาเนย์ / รูปภาพ: ok.ru

Delaunay เป็นหญิงสาวในสมัยเอ็ดเวิร์ดเมื่อรัดตัวและสอดคล้องเป็นบรรทัดฐาน สิ่งนี้เปลี่ยนไปในปี ค.ศ. 1920 เมื่อผู้หญิงเริ่มสวมกระโปรงเหนือเข่าและเสื้อผ้าที่หลวมและเข้ารูป มุมมองนี้สามารถเห็นได้จากการออกแบบของ Delaunay และเธอหลงใหลในการสร้างเสื้อผ้าที่เหมาะกับความต้องการของผู้หญิง Sonya พัฒนาชุดว่ายน้ำที่ช่วยให้ผู้หญิงรู้สึกสบายตัวมากขึ้น แม้ในขณะที่เล่นกีฬาและว่ายน้ำ เธอวาดภาพลงบนเสื้อโค้ท รองเท้า หมวก และแม้กระทั่งรถยนต์ โดยใช้พื้นผิวอะไรก็ได้เป็นผ้าใบ การออกแบบของเธอสร้างอิสระในการเคลื่อนไหวและแสดงออกผ่านสีและรูปร่าง

จากซ้ายไปขวา: ชุดสำหรับภาพยนตร์โดย Rene Le Somptier, 1926 / ชุดคลีโอพัตราสำหรับบัลเล่ต์รัสเซีย 2461 / รูปภาพ: facebook.com
จากซ้ายไปขวา: ชุดสำหรับภาพยนตร์โดย Rene Le Somptier, 1926 / ชุดคลีโอพัตราสำหรับบัลเล่ต์รัสเซีย 2461 / รูปภาพ: facebook.com

ตลอดอาชีพการงานของเธอ เธอพยายามทำสิ่งใหม่ๆ อยู่เสมอ ส่งผลให้เธอย้ายไปโรงหนังและโรงละคร Sonia ออกแบบเครื่องแต่งกายให้กับภาพยนตร์เรื่อง The Little Parisian ของ Rene Le Somptier ขณะที่สามีของเธอเป็นคนทำฉากให้กับภาพยนตร์เรื่องนี้ เธอชอบรูปทรงเรขาคณิต ผสมผสานและผสมเข้าด้วยกันอย่างชำนาญ ทำให้เกิดลวดลายที่แปลกประหลาดและเส้นแตกซึ่งกลายเป็นจุดเด่นของเธอ

3. ความร่วมมือระหว่าง Elsa Schiaparelli และ Salvador Dali

หมวกรองเท้า. / รูปภาพ: gr.pinterest.com
หมวกรองเท้า. / รูปภาพ: gr.pinterest.com

ความล้ำหน้าของศิลปะเซอร์เรียลผสมผสานกับผู้นำแฟชั่นเซอร์เรียล Salvador Dali และแฟชั่นดีไซเนอร์ Elsa Schiaparelli ได้ร่วมมือกันและเป็นแรงบันดาลใจให้กันและกันตลอดอาชีพการงานของพวกเขา พวกเขาสร้างรูปลักษณ์ที่โดดเด่นเช่น Lobster Dress, The Shoe Hat และ The Tear Dress ที่ทำให้ผู้ชมตกใจและเป็นแรงบันดาลใจทั้งในด้านศิลปะและแฟชั่น Dali และ Schiaparelli ปูทางไปสู่การทำงานร่วมกันในอนาคตระหว่างนักออกแบบแฟชั่นและศิลปิน โดยเชื่อมช่องว่างระหว่างสิ่งที่ถือว่าเป็นศิลปะที่สวมใส่ได้กับแฟชั่น ต้าหลี่ใช้กุ้งก้ามกรามเป็นหัวข้อซ้ำๆ ในงานของเขาและสนใจกายวิภาคของพวกมัน

แต่งตัว "โอมาร์" / รูปภาพ: pluralartmag.com
แต่งตัว "โอมาร์" / รูปภาพ: pluralartmag.com

Dress "Omar" เป็นผลงานร่วมกันของ Elsa และ Dali และการสร้างของพวกเขาทำให้เกิดการโต้เถียงมากมายไม่เพียง แต่ในวันที่เปิดตัวเท่านั้น แต่ยังรวมถึงหลังจากนั้นด้วย อย่างแรกคือมีเสื้อท่อนบนและกระโปรงออร์แกนซ่าสีขาว ชุดที่ไม่ธรรมดานี้ทำให้โลกแฟชั่นแตกตื่น ทำให้เกิดข้อโต้แย้งมากมายเกี่ยวกับคะแนนนี้ การใช้ผ้าขาวยังตัดกับสีแดงของกุ้งมังกรอีกด้วย สีขาวถือได้ว่าบริสุทธิ์หรือเป็นสัญลักษณ์ของความบริสุทธิ์เมื่อเทียบกับสีแดง ซึ่งอาจหมายถึงความผ่อนคลาย อำนาจ หรืออันตราย

จากซ้ายไปขวา: ผู้หญิงที่มีหัวดอกไม้ Salvador Dali, 1935 / Dress Skeleton, Elsa Schiaparelli, 1938. / รูปภาพ: youtube.com
จากซ้ายไปขวา: ผู้หญิงที่มีหัวดอกไม้ Salvador Dali, 1935 / Dress Skeleton, Elsa Schiaparelli, 1938. / รูปภาพ: youtube.com

โครงกระดูกเป็นอีกรูปแบบหนึ่งที่พบในงานศิลปะเหนือจริงและถูกใช้ในความร่วมมือระหว่าง Dali และ Schiaparelli มากขึ้น ชุดโครงกระดูกเป็นชุดแรกในประเภทนี้ เอลซ่าใช้เทคนิคที่เรียกว่า trapunto ซึ่งผ้าสองชั้นถูกเย็บเข้าด้วยกัน ทำให้เกิดโครงร่างที่ใส่ลูกบอลเข้าไปเทคนิคนี้สร้างพื้นผิวที่มีพื้นผิวบนผ้าเรียบ ทำให้เกิดภาพลวงตาว่ากระดูกมนุษย์ยื่นออกมาผ่านชุดเดรส สิ่งนี้ทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาวเพราะชุดเดรสทำจากวัสดุยืดหยุ่นที่ยึดติดกับผิวหนัง ความเพ้อฝันของภาพวาดและภาพวาดของ Dali ถูกรวมเข้ากับโลกแห่งชุดเครื่องแต่งกายของ Schiaparelli ซึ่งสร้างความประทับใจไม่รู้ลืมให้กับทั้งผู้ชมและนักออกแบบ

4. Yves Saint Laurent: การปะทะกันของศิลปะและแรงบันดาลใจ

ซ้ายไปขวา: ชุด Picasso โดย Yves Saint Laurent, 1988 / Birds of Georges Braque, 2496. ภาพ: pinterest.com
ซ้ายไปขวา: ชุด Picasso โดย Yves Saint Laurent, 1988 / Birds of Georges Braque, 2496. ภาพ: pinterest.com

เส้นแบ่งระหว่างการเลียนแบบและการชื่นชมอยู่ตรงไหน? นักวิจารณ์ ผู้ชม ศิลปิน และนักออกแบบต่างพยายามดิ้นรนเพื่อตัดสินว่าบรรทัดนี้ดำเนินไปอย่างไร อย่างไรก็ตาม เมื่อพูดถึงอีฟส์ แซงต์ โลรองต์ ความตั้งใจของเขาไม่ใช่แค่การเยินยอและชื่นชมศิลปินและภาพวาดที่เขาใช้เป็นแรงบันดาลใจ เมื่อดูผลงานมากมายของเขาแล้ว Saint Laurent ก็ได้รับแรงบันดาลใจจากวัฒนธรรมและศิลปะจากทั่วโลก ซึ่งเขาประสบความสำเร็จในการรวมเข้ากับเสื้อผ้าของเขา

ซ้ายไปขวา: ชุดค็อกเทล - ส่วยให้ Pete Mondrian, 1965 / ชุดราตรี - ส่วย Tom Wesselmann, 1966. / รูปภาพ: vk.com
ซ้ายไปขวา: ชุดค็อกเทล - ส่วยให้ Pete Mondrian, 1965 / ชุดราตรี - ส่วย Tom Wesselmann, 1966. / รูปภาพ: vk.com

แม้ว่าอีฟจะไม่เคยพบกับศิลปินที่สร้างแรงบันดาลใจให้กับเขา แต่ก็ไม่ได้หยุดเขาจากการสร้างสรรค์งานศิลปะเพื่อเป็นการแสดงความเคารพต่อพวกเขา Laurent ได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปินเช่น Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque และ Picasso เขาเป็นนักสะสมงานศิลปะและรวบรวมภาพวาดโดย Picasso และ Matisse ซึ่งเขาแขวนไว้ที่บ้าน

อีฟใช้ลวดลายศิลปะบางส่วนและเปลี่ยนให้เป็นเสื้อผ้าที่สวยงามเพื่อเป็นการแสดงความเคารพต่อศิลปินคนโปรดของเขา ทศวรรษ 1960 เป็นช่วงเวลาแห่งการปฏิวัติและการค้า ซึ่งเป็นยุคใหม่ของแฟชั่นและศิลปะ โครงการของ Saint Laurent ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์เมื่อเขาเริ่มได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปะป๊อปอาร์ตและนามธรรม ในปีพ.ศ. 2508 เขาได้สร้างชุดเครื่องแต่งกาย 26 ชุดซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากภาพวาดนามธรรมของ Piet Mondrian เดรสชุดนี้ผสมผสานการใช้รูปทรงเรียบง่ายและสีหลักที่เด่นชัดของ Mondrian อีฟใช้เทคนิคที่ไม่มีรอยต่อระหว่างชั้นของผ้า ซึ่งทำให้รู้สึกว่าเสื้อผ้าเป็นชิ้นเดียว Saint Laurent นำงานศิลปะของ Mondrian มาตั้งแต่ปี ค.ศ. 1920 และทำให้สามารถสวมใส่ได้เมื่อเทียบกับช่วงทศวรรษที่ 1960

ซ้ายไปขวา: รายละเอียดของแจ็กเก็ตสไตล์แวนโก๊ะ ปี 1988 / ดอกทานตะวันที่มีชื่อเสียงของแวนโก๊ะ พ.ศ. 2432 / รูปภาพ: zhuanlan.zhihu.com
ซ้ายไปขวา: รายละเอียดของแจ็กเก็ตสไตล์แวนโก๊ะ ปี 1988 / ดอกทานตะวันที่มีชื่อเสียงของแวนโก๊ะ พ.ศ. 2432 / รูปภาพ: zhuanlan.zhihu.com

ชุดแฟชั่นเป็นตัวอย่างคลาสสิกของสไตล์ยุค 1960 พวกเขามีความคล้ายคลึงกับเสื้อผ้าจากปี 1920 ที่มีข้อจำกัดน้อยกว่าและมีแขนเสื้อและชายเสื้อที่เผยให้เห็นผิวหนังเป็นหย่อมๆ ซิลลูเอททรงเหลี่ยมของ Saint Laurent ทำให้ผู้หญิงรู้สึกเบาและเป็นอิสระ สิ่งนี้ทำให้เขาได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปินป๊อปอาร์ตเช่น Tom Wesselman และ Andy Warhol เขาสร้างแนวการออกแบบที่ได้รับแรงบันดาลใจจากป๊อปอาร์ตซึ่งมีภาพเงาและรอยตัดบนเสื้อผ้าของเขา มันเกี่ยวกับการเอาชนะข้อจำกัดของสิ่งที่เป็นนามธรรมในงานศิลปะและการนำการออกแบบไปใช้ในเชิงพาณิชย์ Laurent นำแนวคิดทั้งสองนี้มารวมกันเพื่อสร้างเสื้อผ้าสำหรับผู้หญิงที่เป็นอิสระและน่าสนใจสำหรับผู้หญิงยุคใหม่

แจ็คเก็ตในสไตล์ของ Van Gogh, 1988 / รูปภาพ: zhuanlan.zhihu.com
แจ็คเก็ตในสไตล์ของ Van Gogh, 1988 / รูปภาพ: zhuanlan.zhihu.com

แจ็กเก็ต Vincent Van Gogh ของ Saint Laurent เป็นตัวอย่างของวิธีที่ Yves ผสมผสานแรงบันดาลใจของศิลปินเข้ากับพรสวรรค์ด้านการออกแบบของเขาเอง เช่นเดียวกับเสื้อผ้าอื่นๆ ของเขา ธีมที่เกี่ยวข้องกับศิลปินไม่ได้ถูกคัดลอกและวางลงบนเสื้อผ้าของแซงต์ โลรองต์ แต่เขาเลือกใช้สิ่งเหล่านี้เป็นแรงบันดาลใจและสร้างผลงานที่สะท้อนถึงสไตล์ของเขาเอง เสื้อแจ็คเก็ตเป็นตัวอย่างของสไตล์ของยุค 80 ซึ่งปักด้วยดอกทานตะวันในสไตล์ที่งดงามของแวนโก๊ะ

Laurent ได้ร่วมมือกับ Maison Lesage ผู้นำด้านงานปักโอต์กูตูร์ แจ็คเก็ต "ทานตะวัน" ปักด้วยลูกปัดท่อ ดอกไม้จะเต็มไปด้วยเฉดสีส้มและเหลืองหลากหลายเฉด สิ่งนี้สร้างพื้นผิวหลายมิติที่คล้ายกับเทคนิคของแวนโก๊ะในการลงสีหนาบนผืนผ้าใบ คาดว่าเป็นหนึ่งในสินค้าโอต์กูตูร์ที่แพงที่สุดที่เคยผลิตและขายที่ Christie's ด้วยราคาเกือบสี่แสนยูโร Saint Laurent ปูทางสำหรับการสวมใส่เสื้อผ้าเป็นงานศิลปะในตัวของมันเอง โดยไม่คำนึงถึงแฟชั่นและช่วงเวลา

ตามหัวข้อ อ่านเกี่ยวกับ สิ่งที่ทำให้ Saeko Yamaguchi ประสบความสำเร็จ ทำให้เธอเป็นหนึ่งในมนต์เสน่ห์ของ Kenzo และ Yamamoto.