9 ผลงานชิ้นเอกของศิลปินที่เก่งกาจที่เป็นแรงบันดาลใจให้นักออกแบบแฟชั่นชั้นยอดและสร้างคอลเล็กชั่นที่ไม่เหมือนใคร

2024 ผู้เขียน: Richard Flannagan | [email protected]. แก้ไขล่าสุด: 2023-12-16 00:19

ตลอดประวัติศาสตร์ แฟชั่นและศิลปะได้จับมือกันเพื่อสร้างส่วนผสมที่ลงตัว นักออกแบบแฟชั่นหลายคนได้ยืมแนวคิดจากการเคลื่อนไหวทางศิลปะมาใช้กับคอลเลกชั่นของพวกเขา ซึ่งทำให้แฟชั่นถูกตีความว่าเป็นศิลปะรูปแบบหนึ่งซึ่งส่วนใหญ่ใช้เพื่อแสดงความคิดและวิสัยทัศน์ ด้วยอิทธิพลจากสิ่งนี้ นักออกแบบแฟชั่นที่มีชื่อเสียงระดับนานาชาติบางคนจึงได้สร้างคอลเลกชันที่โดดเด่นตามการเคลื่อนไหวทางศิลปะของศตวรรษที่ 20

1. Madeleine Vionne

เกิดในฝรั่งเศสตอนกลางตอนเหนือในปี พ.ศ. 2419 มาดามมาดเลนวีนเป็นที่รู้จักในฐานะ "เทพีแห่งสไตล์และราชินีแห่งการตัดเย็บ" ระหว่างที่เธออยู่ที่โรม เธอรู้สึกทึ่งกับศิลปะและวัฒนธรรมของอารยธรรมกรีกและโรมัน และได้รับแรงบันดาลใจจากเทพธิดาและรูปปั้นโบราณ จากผลงานศิลปะเหล่านี้ เธอได้กำหนดความสวยงามตามสไตล์ของเธอและผสมผสานองค์ประกอบของประติมากรรมและสถาปัตยกรรมกรีกเพื่อสร้างมิติใหม่ให้กับเรือนร่างของผู้หญิง ด้วยความสามารถของเธอในการแต่งตัวและแต่งตัวแบบเอียง Madeleine ปฏิวัติแฟชั่นสมัยใหม่ เธอมักจะปรึกษาผลงานศิลปะเช่น The Winged Victory of Samothrace สำหรับคอลเลกชั่นงานศิลปะของเธอ

ความคล้ายคลึงกันระหว่างผลงานชิ้นเอกของศิลปะขนมผสมน้ำยากับท่วงทำนองของ Vionne นั้นน่าทึ่งมาก การเดรดผ้าอย่างล้ำลึกในสไตล์ของ chiton กรีกสร้างเส้นแสงในแนวตั้งที่ไหลลงมาตามร่าง ประติมากรรมนี้สร้างขึ้นเพื่อเป็นการแสดงความเคารพต่อ Nike เทพีแห่งชัยชนะของกรีก และเป็นที่ชื่นชมสำหรับการแสดงการเคลื่อนไหวที่สมจริง ดีไซน์เดรปที่พลิ้วไหวของดีไซน์ Vionnet ชวนให้นึกถึงการเคลื่อนไหวของผ้าเป็นคลื่นที่เกาะติดกับตัว Nike เสื้อผ้าสามารถเป็นเหมือนสิ่งมีชีวิตที่มีจิตวิญญาณเหมือนร่างกาย เช่นเดียวกับ Winged Victory of Samothrace แมเดลีนได้สร้างชุดที่ปลุกแก่นแท้ของมนุษย์ที่ซ่อนอยู่ลึกภายใน ความคลาสสิก ทั้งปรัชญาด้านสุนทรียศาสตร์และปรัชญาการออกแบบ ทำให้ Vionne มีโอกาสถ่ายทอดวิสัยทัศน์ของเธอในรูปแบบที่กลมกลืนกันทางเรขาคณิต

เธอยังรู้สึกทึ่งกับการเคลื่อนไหวของศิลปะร่วมสมัยเช่น Cubism แมเดลีนเริ่มผสมผสานรูปทรงเรขาคณิตเข้ากับงานสร้างสรรค์ของเธอ และใช้วิธีการตัดแบบอื่นที่เรียกว่าการตัดแบบเอียง แน่นอนว่า Vionne ไม่เคยอ้างว่าเป็นผู้คิดค้นการตัดเฉียง แต่เพียงขยายการใช้งานเท่านั้น ในขณะที่ผู้หญิงมีความก้าวหน้าอย่างมากในการต่อสู้เพื่อสิทธิของตนในต้นศตวรรษที่ 20 แมเดลีนปกป้องเสรีภาพของพวกเขาด้วยการยกเลิกเครื่องรัดตัวแบบวิกตอเรียที่ใช้งานได้ยาวนานจากเครื่องแต่งกายประจำวันของผู้หญิง ดังนั้นเธอจึงกลายเป็นสัญลักษณ์ของการปลดปล่อยผู้หญิงจากข้อจำกัดของหน้าอกที่เล็กกว่า และแทนที่จะเปิดตัวผ้าใหม่ที่เบากว่าซึ่งไหลบนร่างกายของผู้หญิงอย่างแท้จริง

2. ปิแอร์เปาโล ปิกโชลี

Pierpaolo Piccioli เป็นหัวหน้านักออกแบบของ Valentino และสนใจงานทางศาสนาของยุคกลางเป็นอย่างมาก จุดเริ่มต้นของแรงบันดาลใจสำหรับเขาคือช่วงเปลี่ยนผ่านจากยุคกลางสู่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทางเหนือ เขาร่วมมือกับแซนดรา โรดส์ และพวกเขาร่วมกันพัฒนาคอลเลกชันที่สร้างแรงบันดาลใจในฤดูใบไม้ผลิปี 2017 Piccioli ต้องการเชื่อมโยงวัฒนธรรมพังค์ในช่วงปลายยุค 70 กับมนุษยนิยมและศิลปะยุคกลาง ดังนั้นเขาจึงหวนคืนสู่รากเหง้าของเขาและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา โดยค้นหาแรงบันดาลใจในภาพวาด The Garden of Earthly Delights ของ Hieronymus Bosch

จิตรกรชาวดัตช์ที่มีชื่อเสียงเป็นหนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของ Northern Renaissance ในศตวรรษที่ 16ใน "Garden of Earthly Delights" ซึ่ง Bosch วาดก่อนการปฏิรูป ศิลปินต้องการพรรณนาถึงสวรรค์และการสร้างมนุษยชาติ สิ่งล่อใจครั้งแรกของอาดัมและอีฟ เช่นเดียวกับนรกที่รอคนบาป ในบานหน้าต่างตรงกลาง ผู้คนดูเหมือนจะพอใจกับความอยากอาหารของพวกเขาในโลกแห่งความสุข ภาพลักษณ์ของ Bosch โดดเด่นด้วยความแปลกใหม่และความเย้ายวน ภาพรวมทั้งหมดถูกตีความว่าเป็นสัญลักษณ์เปรียบเทียบความบาป

ในโลกแฟชั่น ภาพวาดดังกล่าวได้รับความนิยมเนื่องจากนักออกแบบแฟชั่นหลายคนหลงใหลในแรงจูงใจของมัน Piccioli ผสมผสานยุคสมัยและสุนทรียภาพเข้าด้วยกัน ได้ตีความสัญลักษณ์ของ Bosch ใหม่ด้วยชุดกระโปรงซีทรู ขณะที่โรดส์สร้างภาพพิมพ์สุดโรแมนติกและลวดลายปักที่คล้ายกับงานศิลปะดั้งเดิมเล็กน้อย สีเป็นส่วนหนึ่งของข้อความที่นักออกแบบต้องการสื่ออย่างแน่นอน ดังนั้นคอลเลกชันของชุดเดรสในฝันจึงขึ้นอยู่กับจานสีทางตอนเหนือของแอปเปิ้ลเขียว ไข่โรบินสีชมพูอ่อน และสีน้ำเงิน

3. Dolce and Gabbana

Peter Paul Rubens วาดภาพผู้หญิงด้วยความรัก การเรียนรู้ และความพากเพียร เขานำเสนอ "วีนัสหน้ากระจก" ของเขาในฐานะสัญลักษณ์สูงสุดของความงาม ปีเตอร์แสดงภาพใบหน้าสีอ่อนและผมสีบลอนด์ของเธอโดยเฉพาะ ซึ่งแตกต่างกับสาวใช้ผิวคล้ำ กระจกเป็นสัญลักษณ์แห่งความงามอย่างแท้จริง ซึ่งทำให้ผู้หญิงดูเหมือนภาพเหมือน และในขณะเดียวกันก็เน้นย้ำถึงความเปลือยเปล่าของร่างนั้นอย่างละเอียด กระจกที่กามเทพถือไว้สำหรับเทพธิดานั้นสะท้อนให้เห็นถึงภาพสะท้อนของดาวศุกร์ซึ่งเป็นตัวแทนของความดึงดูดใจและความปรารถนาทางกาม รูเบนส์ ซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งศิลปะบาโรก และแนวคิดเรื่อง "สีสันเหนือเส้น" ของเขามีอิทธิพลต่อนักออกแบบแฟชั่นหลายคน รวมถึง Dolce & Gabbana สไตล์บาโรกเบี่ยงเบนไปจากจิตวิญญาณของยุคเรเนสซองส์ ละทิ้งความสงบสุขและความโฉบเฉี่ยว และแสวงหาความสง่างาม ความตื่นเต้น และการเคลื่อนไหวแทน

นักออกแบบแฟชั่น Domenico Dolce และ Stefano Gabbana ต้องการสร้างแคมเปญที่จะเฉลิมฉลองความเย้ายวนและความโรแมนติกของความงามของผู้หญิง Peter Paul Rubens เป็นแหล่งแรงบันดาลใจที่เหมาะสมที่สุด การสร้างสรรค์ของลัทธิดูโอนั้นสอดคล้องกับศิลปะของศิลปินเฟลมิชอย่างมาก ในคอลเล็กชั่นนี้ นางแบบวางท่าอย่างสูงส่ง ดูราวกับว่าพวกเขาเพิ่งก้าวออกมาจากภาพวาดของรูเบนส์ การตกแต่งได้รับการออกแบบให้คล้ายกับกระจกสไตล์บาโรกและรายละเอียดการปัก ความสง่างามของตัวเลขและจานสีพาสเทลถูกเน้นอย่างสวยงามด้วยชุดเดรสสีชมพูโบรเคด ทางเลือกของนักออกแบบแฟชั่นที่จะรวมโมเดลที่หลากหลายนั้นมีส่วนสนับสนุนรูปแบบร่างกายของยุคนั้น เส้นโค้งที่ Dolce และ Gabbana ใช้ขัดกับการเลือกปฏิบัติของร่างกายประเภทต่างๆ ในอุตสาหกรรมแฟชั่น

คอลเลกชัน Dolce and Gabbana Women's Fall 2012 นำเสนอคุณลักษณะหลายอย่างของสถาปัตยกรรมบาโรกอิตาลี คอลเลกชันนี้เข้ากับลักษณะการตกแต่งอย่างหรูหราของสไตล์ซิซิลีบาโรกได้อย่างลงตัว นักออกแบบมุ่งเน้นไปที่สถาปัตยกรรมบาโรก ดังที่เห็นในโบสถ์คาทอลิกแห่งซิซิลี จุดอ้างอิงคือภาพวาดของรูเบนส์ "ภาพเหมือนของแอนนาแห่งออสเตรีย" ในพระบรมฉายาลักษณ์ แอนนาแห่งออสเตรียเป็นภาพแบบสเปน เดรสสีดำของ Anna ตกแต่งด้วยลายปักสีเขียวแนวตั้งและดีเทลสีทอง ชุดเดรสและเสื้อคลุมที่ออกแบบอย่างมีศิลปะซึ่งทำจากสิ่งทอที่หรูหรา เช่น ลูกไม้และผ้า ได้กลายเป็นจุดเด่นของการแสดง Dolce and Gabbana ที่พิชิตโลกด้วยความคิดสร้างสรรค์

4. คริสโตบาล บาเลนเซียก้า

Cristobal Balenciaga สามารถเรียกได้ว่าเป็นปรมาจารย์ที่แท้จริงที่ปฏิรูปแฟชั่นของผู้หญิงในศตวรรษที่ยี่สิบ เกิดในหมู่บ้านเล็กๆ ในสเปน เขานำสาระสำคัญของประวัติศาสตร์ศิลปะสเปนมาไว้ในโครงการร่วมสมัยของเขา ตลอดอาชีพการงานของเขา Balenciaga ประทับใจกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของสเปนเขามักจะแสวงหาแรงบันดาลใจจากราชวงศ์สเปนและสมาชิกของคณะสงฆ์ นักออกแบบแฟชั่นได้เปลี่ยนสิ่งของในโบสถ์และเสื้อคลุมของนักบวชในยุคนั้นให้กลายเป็นงานแฟชั่นชิ้นเอกที่สวมใส่ได้

หนึ่งในแรงบันดาลใจที่ยิ่งใหญ่ของเขาคือนักมารยาท El Greco หรือที่รู้จักในชื่อ Dominikos Theotokopoulos เมื่อมองไปที่ Cardinal El Greco Fernando Niño de Guevara คุณจะเห็นความคล้ายคลึงกันระหว่างผ้าคลุมของพระคาร์ดินัลกับการออกแบบของ Balenciaga ภาพวาดแสดงให้เห็นพระคาร์ดินัลสเปน Fernando Niño de Guevara ในสมัยของ El Greco ใน Toledo ความคิดของ El Greco ถูกยืมมาจาก Neoplatonism ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี และในภาพนี้เขานำเสนอพระคาร์ดินัลเป็นสัญลักษณ์ของพระคุณของพระเจ้า กิริยามารยาทมีให้เห็นในภาพรวม ลักษณะนี้สังเกตเห็นได้ชัดเจนในรูปร่างที่ยาวและมีหัวเล็ก แขนขาที่สง่างามแต่แปลกประหลาด สีที่เข้ม และการปฏิเสธมาตรการและสัดส่วนแบบคลาสสิก

ความหลงใหลในเสื้อผ้าประวัติศาสตร์ของ Balenciaga ปรากฏชัดในเสื้อโค้ทยามเย็นสุดหรูจากคอลเล็กชั่นปี 1954 ของเขา เขามีวิสัยทัศน์และความสามารถในการประดิษฐ์รูปทรงในแบบสมัยใหม่ ส่วนปกที่เกินจริงของเสื้อโค้ทนี้สะท้อนสไตล์ความเป็นถุงของเสื้อคลุมของพระคาร์ดินัล สีแดงของเสื้อผ้าของพระคาร์ดินัลเป็นสัญลักษณ์ของเลือดและความเต็มใจที่จะตายเพื่อศรัทธา สีแดงสดใสได้รับการยกย่องจากดีไซเนอร์ชื่อดังว่าไม่ธรรมดา เนื่องจากเขามักชอบการผสมสีที่เข้มและเฉดสีที่สดใส นวัตกรรมที่ยอดเยี่ยมของเขาคือการกำจัดรอบเอวและการเปิดตัวของเส้นที่พลิ้วไหว ทรงเรียบง่าย และแขนเสื้อสามในสี่ การทำเช่นนี้ทำให้ Balenciaga ปฏิวัติแฟชั่นของผู้หญิง

นักออกแบบยังแนะนำแขนเสื้อยาวที่อนุญาตให้ผู้หญิงแสดงเครื่องประดับได้ ในช่วงทศวรรษที่ 1960 ด้วยการแนะนำผู้หญิงเข้าสู่อุตสาหกรรมการทำงานทีละน้อย Balenciaga มีแนวคิดที่จะมอบความสะดวกสบาย อิสระ และการทำงานให้กับผู้หญิงที่เขาแต่งตัว เขาส่งเสริมชุดหลวมสบาย ๆ ที่ตัดกับเงาที่เข้ารูปในสมัยนั้น

5. อเล็กซานเดอร์ แมคควีน

กุสตาฟ คลิมต์ ศิลปินชาวออสเตรีย ผู้เชี่ยวชาญด้านสัญลักษณ์และผู้ก่อตั้งขบวนการการแยกตัวออกจากเวียนนา ได้วางรากฐานสำหรับประวัติศาสตร์ศิลปะศตวรรษที่ 20 ภาพวาดและสุนทรียภาพทางศิลปะของเขาเป็นแรงบันดาลใจให้นักออกแบบแฟชั่นมายาวนาน คนอื่นๆ เช่น Aquilano Rimondi, L'Rene Scott และ Christian Dior นักออกแบบที่อ้างอิงถึง Klimt โดยตรงคือ Alexander McQueen ในคอลเลกชั่น Resort Spring/Summer 2013 เขาได้ออกแบบชิ้นงานที่ไม่เหมือนใครซึ่งดูเหมือนว่าจะได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของศิลปิน มองดูเดรสสีดำพลิ้วๆ ที่มีลวดลายสีทองซ้ำๆ อยู่ด้านบน - ภาพใดภาพหนึ่งก็เข้ามาในหัวได้ McQueen ได้ใช้การออกแบบที่เป็นนามธรรม เรขาคณิต และโมเสกในโทนสีบรอนซ์และสีทอง โดยผสมผสานเข้ากับการออกแบบของเขา

ในปี ค.ศ. 1905 กุสตาฟ คลิมท์ วาดภาพ "The Embrace" ซึ่งเป็นภาพคู่รักที่โอบกอดกันอย่างอ่อนโยน ซึ่งกลายเป็นสัญลักษณ์ของความรัก ศิลปินชาวออสเตรียเป็นที่รู้จักจากภาพเขียนสีทองของเขา เช่นเดียวกับการผสมผสานที่ลงตัวระหว่างนามธรรมและสีที่มีอยู่ในผลงานเหล่านี้ กระเบื้องโมเสคทั้งหมดมีโทนสีทองที่อุดมไปด้วยด้วยการตกแต่งแบบลานตาหรือแบบธรรมชาติซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อแฟชั่น ภาพวาดนี้มีความโดดเด่นเนื่องจากรูปทรงเรขาคณิตที่ตัดกันระหว่างเสื้อผ้าของคู่รักทั้งสอง เสื้อผ้าผู้ชายประกอบด้วยสี่เหลี่ยมสีดำ สีขาว และสีเทา ในขณะที่ชุดผู้หญิงตกแต่งด้วยวงรีและลวดลายดอกไม้ ดังนั้น Klimt จึงแสดงให้เห็นถึงความแตกต่างระหว่างความเป็นชายและความเป็นผู้หญิงได้อย่างเชี่ยวชาญ อเล็กซานเดอร์นำสิ่งที่คล้ายกันมาใช้กับเสื้อผ้าของเขา

6. คริสเตียน ดิออร์

ผู้ก่อตั้ง Impressionism และหนึ่งในจิตรกรชาวฝรั่งเศสที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะ Claude Monet ได้ทิ้งมรดกทางศิลปะอันยิ่งใหญ่ไว้เบื้องหลัง ใช้บ้านและสวนของเขาที่ Giverny เพื่อเป็นแรงบันดาลใจ Monet จับภาพภูมิทัศน์ธรรมชาติในภาพวาดของเขาโดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพวาด "The Artist's Garden at Giverny" เขาสามารถจัดการภูมิทัศน์ธรรมชาติตามความต้องการของเขา การตัดกันของรอยดินสีน้ำตาลกับสีสดใสของดอกไม้ช่วยเสริมฉากนี้ อิมเพรสชั่นนิสต์ที่มีชื่อเสียงมักเลือกดอกไอริสเพราะมีสีม่วงเพื่อสร้างเอฟเฟกต์ของดวงอาทิตย์ที่สดใส ภาพวาดนี้เต็มไปด้วยชีวิตชีวาเมื่อดอกไม้ผลิบานต้อนรับฤดูใบไม้ผลิ กลีบกุหลาบและไลแลค ไอริส และจัสมินเป็นส่วนหนึ่งของสรวงสวรรค์ที่มีสีสันบนผืนผ้าใบสีขาว

ในทำนองเดียวกัน คริสเตียน ดิออร์ ผู้บุกเบิกแฟชั่นฝรั่งเศส ได้ทิ้งร่องรอยอันยิ่งใหญ่ในโลกแฟชั่นที่ยังคงรู้สึกได้จนถึงทุกวันนี้ ในปี 1949 เขาได้ออกแบบคอลเลกชั่นแฟชั่นชั้นสูงสำหรับฤดูใบไม้ผลิ/ฤดูร้อน หนึ่งในไฮไลท์ของนิทรรศการนี้คือชุดเดรสอันเป็นเอกลักษณ์ของ Dior ซึ่งปักด้วยกลีบดอกไม้ในเฉดสีต่างๆ ของสีชมพูและสีม่วง ดิออร์ได้แสดงให้เห็นถึงโลกแห่งศิลปะและแฟชั่นทั้งสองอย่างสมบูรณ์แบบ และเลียนแบบความงามของโมเนต์ในชุดที่ใช้งานได้จริงนี้ เขาใช้เวลาส่วนใหญ่ในชนบท วาดภาพคอลเลกชันของเขาในสวนของเขาใน Granville เช่นเดียวกับ Monet ดังนั้นเขาจึงกำหนดสไตล์ Dior อันสง่างามด้วยการผสมผสานจานสีของ Monet และลวดลายดอกไม้เข้ากับการสร้างสรรค์ของเขา

7. อีฟส์ แซงต์ โลรองต์

มอนเดรียนเป็นหนึ่งในศิลปินกลุ่มแรกๆ ที่สร้างศิลปะนามธรรมในศตวรรษที่ 20 เกิดในเนเธอร์แลนด์ในปี พ.ศ. 2415 เขาก่อตั้งขบวนการศิลปะที่เรียกว่า De Stijl เป้าหมายของการเคลื่อนไหวคือการรวมศิลปะร่วมสมัยและชีวิตเข้าด้วยกัน สไตล์นี้เรียกอีกอย่างว่า neoplasticism เป็นศิลปะนามธรรมรูปแบบหนึ่งซึ่งใช้หลักการทางเรขาคณิตและสีหลักเท่านั้น เช่น สีแดง สีน้ำเงิน และสีเหลือง รวมกับสีกลาง (สีดำ สีเทา และสีขาว) สไตล์ที่เป็นนวัตกรรมของ Pete ในช่วงต้นทศวรรษ 1900 บังคับให้นักออกแบบแฟชั่นต้องทำซ้ำงานศิลปะนามธรรมที่บริสุทธิ์นี้ ตัวอย่างที่ดีที่สุดของการวาดภาพสไตล์นี้คือ การจัดองค์ประกอบด้วยสีแดง น้ำเงิน และเหลือง

Yves Saint Laurent นักออกแบบแฟชั่นชาวฝรั่งเศสผู้รักศิลปะ ได้รวมภาพวาดของ Mondrian เข้าไว้ในผลงานอันโอตกูตูร์ของเขา ครั้งแรกที่เขาได้รับแรงบันดาลใจจากงานของ Pete เมื่อเขาอ่านหนังสือเกี่ยวกับชีวิตของศิลปินที่แม่ของเขามอบให้เขาในวันคริสต์มาส ดีไซเนอร์แสดงความขอบคุณต่อศิลปินในคอลเล็กชั่นฤดูใบไม้ร่วงปี 1965 ของเขา หรือที่รู้จักในชื่อคอลเล็กชั่น Mondrian โดยได้รับแรงบันดาลใจจากเส้นเรขาคณิตและสีสันอันโดดเด่นของศิลปิน เขานำเสนอชุดค็อกเทล 6 ชุดที่เฉลิมฉลองสไตล์อันเป็นเอกลักษณ์ของเขาและในยุค 60 โดยทั่วไป ชุดของ Mondrian แต่ละชุดมีความแตกต่างกันเล็กน้อย แต่ชุดทั้งหมดมีรูปร่าง A-line เรียบง่ายและความยาวเข่าแบบไม่มีแขนซึ่งเหมาะสำหรับร่างกายทุกประเภท

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli เกิดในปี 1890 ในครอบครัวชนชั้นสูงในกรุงโรม ในไม่ช้าก็แสดงความรักต่อโลกแฟชั่น เธอเริ่มพัฒนารูปแบบการปฏิวัติของเธอโดยได้รับแรงบันดาลใจจากลัทธิแห่งอนาคต, dada และสถิตยศาสตร์ เมื่ออาชีพของเธอก้าวหน้า เธอได้โต้ตอบกับนักเซอร์เรียลลิสต์และ Dadaists ที่มีชื่อเสียงเช่น Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp และ Jean Cocteau เธอยังร่วมมือกับศิลปินชาวสเปน Salvador Dali

หนึ่งในความร่วมมือที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์แฟชั่นคือความร่วมมือระหว่าง Dali และ Elsa Schiaparelli ชุดนี้ถูกสร้างขึ้นโดย Salvador Dali ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของคอลเลกชันละครสัตว์ของ Schiaparelli ในฤดูร้อนปี 1938 ชุดนี้หมายถึงภาพวาดของต้าหลี่ ซึ่งเขาวาดภาพผู้หญิงที่มีสัดส่วนร่างกายบิดเบี้ยว

สำหรับศิลปินแนวเซอร์เรียลลิสต์ การค้นหาผู้หญิงในอุดมคตินั้นต้องพบกับความล้มเหลว เนื่องจากอุดมคตินั้นมีอยู่ในจินตนาการของพวกเขาเท่านั้น ไม่ใช่ในความเป็นจริง อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่ความตั้งใจของต้าหลี่ที่จะพรรณนาถึงผู้หญิงอย่างสมจริง ดังนั้นร่างกายของพวกเขาจึงไม่ได้สวยงามเลย Schiaparelli ต้องการทดลองเล่นเกมซ่อนและเปิดเผยร่างกายนี้ ทำให้เกิดภาพลวงตาของความเปราะบางและความไม่มั่นคง ชุดราตรีที่มีภาพลวงของน้ำตานั้นทำมาจากผ้าเครปไหมสีน้ำเงินอ่อน เพื่อเป็นการยกย่องซัลวาดอร์และผู้หญิงที่ไม่สมส่วนของเขา

9. จานนี่ เวอร์ซาเช่

ยุคป๊อปอาร์ตน่าจะเป็นช่วงเวลาที่มีอิทธิพลมากที่สุดสำหรับนักออกแบบแฟชั่นและศิลปินในประวัติศาสตร์ศิลปะ Andy Warhol เป็นผู้บุกเบิกการผสมผสานของวัฒนธรรมป๊อปและแฟชั่นชั้นสูง ทำให้เขากลายเป็นสัญลักษณ์อันโดดเด่นของขบวนการศิลปะป๊อปอาร์ต ในช่วงอายุหกสิบเศษ วอร์ฮอลเริ่มฝึกเทคนิคอันเป็นเอกลักษณ์ของเขาที่รู้จักกันในชื่อการพิมพ์ซิลค์สกรีน

ผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งและเก่าแก่ที่สุดของเขาอย่างไม่ต้องสงสัยคือ Marilyn Diptych สำหรับผลงานชิ้นนี้ เขาได้แรงบันดาลใจไม่เพียงแค่จากวัฒนธรรมป๊อปเท่านั้น แต่ยังมาจากประวัติศาสตร์ศิลปะและศิลปินที่แสดงออกทางนามธรรมด้วย Andy จับภาพสองโลกของ Marilyn Monroe ชีวิตทางสังคมของดาราฮอลลีวูด และความเป็นจริงที่น่าเศร้าของ Norma Jeane ผู้หญิงที่ต่อสู้กับภาวะซึมเศร้าและการเสพติด Diptych เพิ่มความสั่นสะเทือนทางด้านซ้าย ในขณะที่ทางด้านขวาจะหายไปในความมืดและความมืดมิด ในความพยายามที่จะเป็นตัวแทนของสังคมผู้บริโภคและวัตถุนิยม เขาวาดภาพบุคคลว่าเป็นผลิตภัณฑ์มากกว่าคน

Gianni Versace ดีไซเนอร์ชาวอิตาลีมีมิตรภาพอันยาวนานกับ Andy Warhol ชายทั้งสองหลงใหลในวัฒนธรรมสมัยนิยม เพื่อเป็นเกียรติแก่ Warhol Versace ได้อุทิศคอลเลกชัน Spring / Summer 1991 ให้กับเขา ชุดหนึ่งโดดเด่นด้วยลาย Warhol กับ Marilyn Monroe เขารวมภาพเหมือนไหมที่มีชีวิตชีวาของมาริลีนและเจมส์ ดีนจากช่วงทศวรรษ 1960 เข้ากับกระโปรงและชุดแม็กซี่

และในความต่อเนื่องของหัวข้อแฟชั่น ความงาม และไอเดียที่ไม่ธรรมดา โปรดอ่านเกี่ยวกับวิธี ศิลปินสมัยใหม่ได้เปลี่ยนการแต่งหน้าให้เป็นงานศิลปะที่แท้จริง.