วิธีที่อเมซอนของรัสเซียเปรี้ยวจี๊ดพิชิตปารีสและอื่น ๆ : Natalia Goncharova

2024 ผู้เขียน: Richard Flannagan | [email protected]. แก้ไขล่าสุด: 2023-12-16 00:19

Natalia Goncharova เป็นศิลปิน นักออกแบบ และนักเขียนชาวรัสเซียที่โดดเด่น เธอโด่งดังไปทั่วโลกด้วยผลงานที่สดใส ชุ่มฉ่ำและไม่ธรรมดาของเธอที่ผสมผสานรูปแบบต่างๆ เข้าด้วยกัน: ตั้งแต่ Fauvism และ Cubism ไปจนถึง Futurism และ Art Nouveau เธอยังเป็นที่รู้จักในเรื่องเครื่องแต่งกายและฉากสำหรับบัลเล่ต์และโรงละคร ซึ่งมีความโดดเด่นในด้านความเก่งกาจและการออกแบบที่ไม่ธรรมดาในสมัยนั้น

ในช่วงสองทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 ศิลปะรัสเซียได้ซึมซับรูปแบบและปรัชญาใหม่ๆ ของศิลปะยุโรปตะวันตก และย้ายไปอยู่ในระดับแนวหน้าของวัฒนธรรม Goncharova และสามีของเธอ Mikhail Larionov ด้วยการทำงานและความพยายามที่จะจัดนิทรรศการและทีมงานสร้างสรรค์ พบว่าตัวเองเป็นศูนย์กลางของการปฏิวัติทางศิลปะนี้ ซึ่งนำหน้าและมาพร้อมกับการเปลี่ยนแปลงทางการเมืองในประเทศ

Natalia เกิดที่ Nagaevo ทางตอนกลางของรัสเซีย ครอบครัว Goncharov สูญเสียโชคลาภจากการผลิตผ้าลินินในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 กวีชื่อดัง Pushkin แต่งงานกับบรรพบุรุษคนหนึ่งของเธอคือ Natalia Goncharova หลังจากที่เธอได้รับการตั้งชื่อ พ่อของเธอเป็นสถาปนิก ครอบครัวของแม่ของ Natalia ตระกูล Belyaev ให้กำเนิดนักบวชหลายคนและเป็นที่รู้จักในฐานะผู้อุปถัมภ์ดนตรี

ในช่วงปีแรก ๆ ของเธอ Natalya เข้าเรียนที่โรงยิมในมอสโก และในวัยที่มีสติมากขึ้นเมื่อตัดสินใจที่จะเป็นศิลปินเธอก็เข้าเรียนที่โรงเรียนจิตรกรรมประติมากรรมและสถาปัตยกรรม (มอสโก) ซึ่งเธอศึกษาประติมากรรมกับ Pavel Trubetskoy ซึ่งทำงานในสไตล์ของ Auguste Rodin เธอออกจากวิทยาลัยในอีกสามปีต่อมา แม้จะได้รับรางวัลเหรียญเงินและเรียนหลักสูตรนี้ไม่ครบสิบปี ซึ่งใกล้เคียงกับที่เธอยอมรับในการวาดภาพเป็นสื่อกลางในการแสดงออกที่เธอชอบ

1. อาชีพและสามี

ภายในปี 1900 Goncharova ได้พบกับ Mikhail Larionov สามีในอนาคตของเธอ เขายังไปเรียนที่วิทยาลัยแต่แผนกจิตรกรรม การตัดสินใจของเธอในการวาดภาพได้รับการสนับสนุนจาก Mikhail ความหลงใหลในการเล่นแสงและความกลมกลืนของสีในอนาคตได้กลายเป็นจุดเด่นของศิลปิน

เช่นเดียวกับศิลปินชาวรัสเซียหลายคนในสมัยของเธอ ช่วงสองสามปีแรกของศตวรรษที่ 20 เป็นช่วงเวลาแห่งความคุ้นเคยและการยอมรับรูปแบบต่างๆ ที่พัฒนาขึ้นในเมืองหลวงของยุโรปตะวันตก ในขณะนั้น เธอสนใจลัทธิอิมเพรสชันนิสม์และลัทธิการแบ่งแยก ซึ่งเป็นรูปแบบที่เกี่ยวข้องกับโมเนต์และซูรัตตามลำดับ ทั้งสองสไตล์ไม่ได้เน้นที่ภาพของวัตถุทึบ แต่เป็นการจับแสง (สี) ที่สะท้อนจากวัตถุสู่ดวงตา เป็นผลให้ภาพวาดมักจะหลวมและเน้นที่สีและจังหวะการลงสี สิ่งนี้นำไปสู่การตระหนักรู้เกี่ยวกับสี จังหวะแปรง พื้นผิว และการวาดภาพบนผืนผ้าใบ ทั้งสองสไตล์นี้มีความสำคัญต่อการปลดปล่อยศิลปะจากตัวละครที่เป็นตัวแทนอย่างแท้จริง ศิลปินเริ่มตระหนักว่าศิลปะคือการแสดงออกทางสุนทรียะ โดยได้รับแรงบันดาลใจจากรูปลักษณ์ของโลกทางกายภาพ แต่ไม่ได้ขึ้นอยู่กับมัน

เมื่อนักบัลเล่ต์ชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ Diaghilev ได้รวบรวมคอลเล็กชั่นภาพวาดโดย Goncharova และ Larionov ในส่วนรัสเซียของ Autumn Salon ในปารีส การรวมพวกเขาไว้ในนิทรรศการศิลปะหัวรุนแรงใหม่ประจำปีที่จัดตั้งขึ้นใหม่ (ในปีเดียวกัน 1906 ได้มีการนำเสนอกลุ่มแรกของ Fauves ที่นั่น) เป็นพยานถึงความจริงที่ว่าศิลปินทั้งสองได้รับการพิจารณาว่าเป็นนางแบบของแนวโน้มเปรี้ยวจี๊ดของประเทศของพวกเขาในอีกเก้าปีข้างหน้า ก่อนที่เธอจะอพยพออกจากรัสเซีย นาตาเลียได้เข้าร่วมในนิทรรศการสำคัญๆ หลายงาน ซึ่งเธอและมิคาอิลจัดขึ้นหลายครั้ง ในช่วงเวลานี้ เธอยังถูกนำเสนอในนิทรรศการ Post-Impressionist ในปี 1912 ซึ่งจัดโดย Roger Fry ที่ Grafton Gallery ในลอนดอน เช่นเดียวกับนิทรรศการส่วนตัวในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก และในงานนิทรรศการที่ Paul Guillaume Gallery ในปารีส กับแคตตาล็อกของนักวิจารณ์ชื่อดัง Apollinaire

2.รูปแบบของอำเภอ

ครึ่งศตวรรษก่อนเริ่มสงครามเป็นช่วงเวลาแห่งการพัฒนาวิจิตรศิลป์ในรัสเซียอย่างรวดเร็ว นาตาเลียอยู่แถวหน้าของขบวนการนี้

น่าแปลกที่ผลงานของเธอแสดงทิศทางที่แตกต่างกันสามทิศทางพร้อมกัน ได้แก่ ลัทธิภูมิภาคนิยม neo-primitivism และ cubo-futurism

รูปแบบแรกคือรูปแบบดั้งเดิมที่มิคาอิลคิดขึ้นและได้รับการวิจัยอย่างกว้างขวางโดยนาตาเลีย

Districtism ในเวลานั้นเป็นหนึ่งในรูปแบบนามธรรมที่สมบูรณ์ในศิลปะตะวันตก เช่นเดียวกับอิมเพรสชั่นนิสม์ ลัทธิภูมิภาคนิยมมุ่งเน้นไปที่แสงที่สะท้อนจากวัตถุ พื้นที่ในภาพของการแผ่รังสีไม่สามารถวัดได้ แต่เป็นบรรยากาศที่ถูกประจุด้วยพลังงานของรังสีแสงจำนวนนับไม่ถ้วน ไม่ว่าจะมาจากดวงอาทิตย์โดยตรง หรือมีแนวโน้มมากกว่าคือรังสีที่สะท้อนไปมาจากวัตถุทางกายภาพรอบตัวมัน หลักการชี้นำคือความงามอย่างแท้จริงโดยเลือกสีต่างๆ เพื่อความกลมกลืนหรือเอฟเฟกต์ภาพ

เป็นเวลากว่าสามทศวรรษแล้วที่ศิลปินรู้สึกทึ่งกับแนวคิดในการสร้างงานศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่างบนพื้นฐานของการผสมสี หากดนตรีเป็นนามธรรมโดยสมบูรณ์และในขณะเดียวกันก็แสดงออกได้อย่างไม่มีขอบเขต ก็คงไม่มีงานศิลปะที่ใช้สี (แทนที่จะเป็นเสียง) ที่จะเป็นนามธรรมและแสดงออกได้เช่นเดียวกัน

แทนที่จะเป็นรูปแบบที่กระจัดกระจายและเชื่อมโยงถึงกันที่พบใน Cubism ซีรีส์ Cats นั้นมีพื้นฐานมาจากลายเส้นสีที่ยาวและตัดกัน Districtism เป็นรูปแบบอายุสั้นที่สิ้นสุดในปี 1914 Franz Marc ซึ่งเกี่ยวข้องกับ Munich Blaue Reiter (ซึ่ง Natalia ได้แสดงเมื่อสองปีก่อน) ชื่นชมงานของเธอและเขียนในลักษณะที่ได้รับแรงบันดาลใจจากลัทธิหัวเมือง อาจเป็นเพราะอิทธิพลของเธอ

3. รูปแบบของลัทธิดั้งเดิม

ด้วยความกระสับกระส่ายและกระสับกระส่าย แสวงหาแรงบันดาลใจใหม่ ๆ เธอยังพึ่งพาจิตรกร Cubist ยุคแรกๆ เช่น Pablo Picasso อย่างหนักมาระยะหนึ่ง ระยะนี้ในงานของเธอใช้เวลาหลายปีและครอบคลุมภาพวาดของเธอซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากประเพณีของรัสเซีย

แต่ภาพประกอบสำหรับหนังสือกวีนิพนธ์หลายเล่มของ Velimir Khlebnikov และ Alexei Kruchenykh แสดงให้เห็นว่าเธออุทิศตนให้กับรูปแบบศิลปะรัสเซียโบราณ เช่น ไอคอน จิตรกรรมฝาผนังทางศาสนา และแม่พิมพ์ไม้ ในปีพ.ศ. 2456 เธอประกาศอย่างมากว่าเธอกำลังหันหลังให้กับตะวันตกโดยแสดงความเห็นอกเห็นใจต่อตะวันออก

ในงานนิทรรศการช่วงแรกๆ ของเธอ มีการนำเสนอภาพวาดแนวไพรมิติวิสต์และนักเขียนภาพแบบเหลี่ยม และในนิทรรศการต่อมาซึ่งจัดโดยสามีของเธอ นาตาเลียได้จัดแสดงผลงานมากกว่าห้าสิบชิ้น เธอได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปะพื้นบ้านและศิลปะพื้นบ้านของรัสเซีย หรือที่รู้จักกันในนามภาพพิมพ์ยอดนิยม นิทรรศการครั้งที่สอง ภายหลังถูกมองว่าเป็นการจงใจทำลายอิทธิพลทางศิลปะของยุโรปและการสร้างโรงเรียนศิลปะร่วมสมัยของรัสเซียที่เป็นอิสระ เหตุการณ์ดังกล่าวกลายเป็นข้อขัดแย้ง และผู้ตรวจสอบได้ยึดงาน "ผู้เผยแพร่ศาสนา" ที่มีเนื้อหาเกี่ยวกับศาสนาของนาตาเลีย โดยพิจารณาว่าเป็นการดูหมิ่นการแสดงในนิทรรศการชื่อ "หางลา" นาตาเลียและมิคาอิลถูกข่มเหงมานานแล้วสำหรับผลงานและวิธีการแสดงออก แต่แม้ในผลงานต่อมาของ Natalia อิทธิพลของลัทธิอนาคตนิยมของรัสเซียก็สังเกตเห็นได้ชัดเจน นาตาเลียเริ่มหลงใหลในภาพวาดไอคอนและความดั้งเดิมของศิลปะพื้นบ้านรัสเซีย นาตาเลียได้รับชื่อเสียงในรัสเซียจากผลงานล้ำสมัยของเธอ (หนึ่งในนั้นคือภาพวาดที่เรียกว่า The Cyclist)

นาตาเลียและมิคาอิลวาดภาพใบหน้าด้วยอักษรอียิปต์โบราณและดอกไม้ เดินไปตามถนนซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของขบวนการศิลปะแนวดึกดำบรรพ์ นาตาเลียเองก็ไม่กลัวที่จะปรากฏตัวในที่สาธารณะโดยมีสัญลักษณ์บนหน้าอกของเธอ ในฐานะผู้นำของพวกฟิวเจอร์ริสต์ในมอสโก พวกเขาจัดคืนบรรยายที่ยั่วยุในลักษณะเดียวกับคู่หูชาวอิตาลีของพวกเขา นอกจากนี้ Natalia ยังเขียนและแสดงหนังสือแนวหน้าหลายเล่ม

Natalia เป็นสมาชิกของกลุ่ม Blue Rider avant-garde ตั้งแต่วันแรกของการก่อตั้ง (1911) สี่ปีต่อมา เธอเริ่มพัฒนาชุดบัลเล่ต์และฉากในเจนีวา และในไม่ช้าเธอก็เริ่มทำงานกับชุดภาพสเก็ตช์สำหรับบัลเล่ต์ของ Diaghilev แต่น่าเสียดายที่บัลเล่ต์ไม่เคยรับรู้

ไม่กี่ปีต่อมา เธอย้ายไปปารีส ซึ่งเธอได้สร้างชุดสำหรับบัลเลต์รัสเซียของ Diaghilev หลายชุด เธอยังจัดแสดงที่ Salon d'Automne และเข้าร่วม Salon des Tuileries และ Salon of Independents เป็นประจำ

นาตาเลียและมิคาอิลร่วมมือกันจัดกิจกรรมการกุศลสี่ครั้งในมอสโก พวกเขาทั้งสองได้พัฒนาสื่อส่งเสริมการขายส่วนใหญ่สำหรับงานนี้

4. รูปแบบของ neo-primitivism

Natalia เขียนในลักษณะที่ควบคู่ไปกับ Rayonism ซึ่งปัจจุบันเรียกว่า neo-primitivism เป็นปรากฏการณ์ที่เคยเกิดขึ้นในฝรั่งเศสและที่อื่น ๆ และดูเหมือนจะเกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงในแรงบันดาลใจทางการเมือง สังคมและวัฒนธรรม เมื่อรวมกับความคิดทางการเมืองและสังคมที่เป็นประชาธิปไตยแล้ว มักจะมีแนวโน้มที่จะพยายามค้นหาลักษณะที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้นของวัฒนธรรมประจำชาติโดยหันไปใช้ศิลปะพื้นบ้านหรือชาวนาเพื่อเป็นแรงบันดาลใจ เนื่องจากครอบครัวของเธอมีภูมิหลังทางศาสนาและความจริงที่ว่าเธอใช้ชีวิตวัยเยาว์ในที่ดินในชนบท นาตาเลียจึงสนใจศิลปะทางศาสนาและพื้นบ้านแบบดั้งเดิมซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของประสบการณ์การก่อสร้างของเธอและในฐานะที่เป็นทัศนศิลป์ของเพื่อนร่วมชาติ นี่เป็นช่วงเวลาที่ปัญญาชนเริ่มมองว่าไอคอน (ภาพพิธีกรรมของรัสเซีย) เป็นมรดกทางวัฒนธรรมที่สำคัญของชาติ นิทรรศการไอคอนโรมานอฟอันยิ่งใหญ่สร้างความตื่นเต้นให้กับผู้คนที่มีความอ่อนไหวทางสุนทรียภาพมากมาย

นาตาเลียเขียนหัวข้อทางศาสนามาหลายปีแล้ว โดยรู้สึกว่าความหมายและความหมายของไอคอนทางศาสนาที่เคร่งครัดเป็นหนึ่งในเป้าหมายที่สำคัญที่สุดสำหรับศิลปินในการถ่ายทอดผลงานของเธอ สีสันที่หลากหลาย เอฟเฟกต์การตกแต่งที่ตระการตา และลักษณะที่เป็นทางการและมีสไตล์ของไอคอนได้สร้างแรงบันดาลใจให้เธอทำงานแล้ว

สิ่งนี้ทำให้เธอหันไปใช้วิธีที่ไม่เกี่ยวข้องกับการปฏิบัติทางวิชาการ นอกเหนือจากการเน้นย้ำถึงคุณสมบัติการตกแต่งที่แบนเรียบแล้ว บางครั้งสีก็ดูเหมือนจะกระเซ็นไปทั่วพื้นผิวหรือถูกทาอย่างรวดเร็วเพื่อให้ได้ผลลัพธ์ที่เป็นธรรมชาติ เสน่ห์และความไร้เดียงสาซึ่งเคยร้องในภาพวาดของ Henri Rousseau ปรากฏในผลงานของศิลปินชาวรัสเซียและซึ่งสำคัญมากสำหรับเธอนั้นถูกยืมมาจากแหล่งในท้องถิ่น

5. สไตล์คิวโบะแห่งอนาคต

ระหว่างปี 1913 และ 1914 Cubo-Futurism แง่มุมของรูปแบบสมัยใหม่ของ Cubism และ Futurism ปรากฏในภาพวาดของ Natalia Cubism เป็นที่รู้จักของศิลปินรัสเซียผ่านการตีพิมพ์ นิทรรศการ และคอลเลกชั่น เช่น คอลเล็กชั่น Morozov และ Shchukin ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมมีความคลุมเครือต่อสีในความรู้สึกใหม่ของการกระจายตัวของโครงสร้างและการประสานกันของรูปแบบ ส่งผลให้เกิดองค์ประกอบที่เคลื่อนไหวได้อย่างสม่ำเสมอซึ่งความสัมพันธ์ระหว่างรูปร่าง/พื้นถูกตัดออกไป

ลัทธิอนาคตนิยมของอิตาลียังมีการติดตามในรัสเซียในช่วงหลายปีก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง

ลัทธิแห่งอนาคตของเธอเหมือนของชาวอิตาลีเต็มไปด้วยสีสัน ความรู้สึกของการเคลื่อนไหวเกิดจากการทำซ้ำของตัวเลขหรือเส้นเป็นจังหวะ การรวมคำสีหรือเศษคำราวกับว่าพวกเขามาจากสัญญาณและส่วนหนึ่งของสภาพแวดล้อมที่บุคคลนั้นผ่านไปมีส่วนทำให้เกิดการรับรู้นี้ต่อไปคลื่นเสียงยังบอกเป็นนัยด้วยเอฟเฟกต์จังหวะและบางครั้งอาจเกิดจากการใช้โน้ตดนตรี

6. ปีสุดท้ายของชีวิต

นาตาเลียใช้ชีวิตที่เหลือในปารีส ซึ่งเป็นที่รู้จักในฐานะสมาชิกคนสำคัญของชุมชนศิลปะของเมือง เธอยังคงวาดภาพต่อไป แต่งานที่โดดเด่นที่สุดของเธอคืองานออกแบบเวที ในด้านนี้ ทั้งเธอและไมเคิลกลายเป็นดาราระดับโลก นาตาเลียระบุงานของเธอกับฝรั่งเศสมากขึ้นเรื่อยๆ ในปี 1936 เธอกับมิคาอิลได้เข้าร่วมการแข่งขันศิลปะการแสดงละครระดับนานาชาติที่สำคัญซึ่งจัดขึ้นที่เมืองมิลาน พวกเขาชอบแสดงผลงานในส่วนฝรั่งเศสมากกว่าส่วนโซเวียต และเมื่อพวกเขาได้รับรางวัลเหรียญเงิน ฝรั่งเศสก็ไปหาพวกเขา

หลังจากการรุกรานฝรั่งเศสโดยอดอล์ฟ ฮิตเลอร์ในฤดูใบไม้ผลิปี 2483 นาตาเลียและมิคาอิลพบว่าตนเองอยู่ภายใต้การยึดครองของเยอรมัน ในปีที่ยากลำบากที่ตามมา ทั้งคู่สามารถสานต่ออาชีพการแสดงในโรงละครได้ จากนั้น นิทรรศการภาพเขียนลำเอียงในปารีสเตือนให้สาธารณชนทราบถึงบทบาทที่โดดเด่นของพวกเขาในการพัฒนาศิลปะร่วมสมัยในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ อย่างที่บางคนได้โต้แย้งกัน ศิลปินทั้งสองจงใจเอางานบางชิ้นของพวกเขาออกมาเหนือกว่าผลงานของพวกเขา ซึ่งบางครั้งก็นานกว่าทศวรรษ เพื่อที่จะเสริมความแข็งแกร่งให้กับชื่อเสียงของพวกเขาในฐานะศิลปินผู้บุกเบิก

มิคาอิลป่วยด้วยโรคหลอดเลือดสมอง และสถานการณ์ทางการเงินของคู่สมรสซึ่งไม่เคยสบายใจเป็นพิเศษก็กลายเป็นเรื่องล่อแหลมมากขึ้นไปอีก พวกเขารอดชีวิตจากการขายภาพเขียนในยุคแรกๆ นาตาเลียยังประสบความเจ็บป่วยทางร่างกายหลายอย่าง รวมทั้งโรคข้ออักเสบรูปแบบรุนแรง ซึ่งทำให้ไม่สามารถวาดบนขาตั้งได้ เพื่อแสดงการอุทิศตนต่อการทำงานอย่างต่อเนื่อง เธอวางผ้าใบไว้ข้างหน้าในตำแหน่งที่ราบเรียบเพื่อจัดการแปรงต่อไป

นาตาเลียพยายามครั้งสุดท้ายในการออกแบบโรงละครในปี 57 ประกอบด้วยเครื่องแต่งกายและฉากสำหรับชุดบัลเล่ต์ในมอนติคาร์โล อีกหนึ่งปีต่อมา เธอได้จัดนิทรรศการภาพวาดครั้งสุดท้ายของเธอในปารีส โดยแสดงภาพเขียนราว 20 ภาพที่ได้รับแรงบันดาลใจจากการปล่อยดาวเทียมสปุตนิกของรัสเซีย

ทั้งคู่ยังคงประสบปัญหาทางการเงิน มีเพียงการขายส่วนสำคัญของห้องสมุดและผลงานของคู่สมรสให้กับพิพิธภัณฑ์วิคตอเรียและอัลเบิร์ตในลอนดอนเท่านั้นที่ช่วยรักษาความสามารถในการละลายของพวกเขา

นาตาเลียเสียชีวิตด้วยโรคมะเร็งในปารีส บนหลุมศพของเธอเขียนว่าเธอเป็นศิลปินและจิตรกร การตายของมิคาอิลเกิดขึ้นหลังจากนั้นไม่นาน เขาถูกฝังอยู่ข้างเธอด้วยจารึกเดียวกันบนหลุมฝังศพของเขา

ต่อเนื่องกับหัวข้อของการวาดภาพ - ผู้นำโลกทั้ง 6 ที่มีชื่อเสียงไม่เพียงแต่ในทางการเมือง เช่นเดียวกับในงานศิลปะ